23. November 2007

Golijovs Werkspektrum reicht von Kammermusikwerken, Lieder­zyklen über Chor- und Orchesterwerke bis hin zur Filmmusik. Die neueste Komposition wird in Francis Coppolas aktuellem Film "Youth without Youth" zu hören sein, der im nächsten Jahr in den Kinos, u.a. mit Alexandra Maria Lara und Bruno Ganz in den Hauptrollen, anläuft.

In dem 80-minütigen Einakter be­schäftigt sich Golijov mit dem spanischen Schriftsteller und Dichter Federico García Lorca. Ainadamar, das arabische Wort für „Quelle der Tränen", ist der Name eines alten Brunnens bei Granada, bei Lorca 1936 zu Beginn des spanischen Bürgerkriegs – im Alter von nur 38 Jahren - von Anhängern der faschistischen Falange ermordet wurde. Im Mittelpunkt der Opernhandlung steht die Schauspielerin Margarita Xirgu, die eng mit Lorca befreundet war. Sie wird im Stück noch viele Jahre danach von Erinnerungen an die schrecklichen Ereignisse verfolgt. Noch einmal durchlebt sie den Weg, den sie gemeinsam mit Lorca gegangen ist.

Jetzt wird "Ainadamar" zum ersten Mal in Europa aufgeführt. Regie führt Mei Hong Lin, Direktorin des Tanztheaters Darmstadt, die gemeinsam mit dem Opern- und dem Tanzensemble den Kampf um Liebe und Freiheit auf die Bühne bringt. Dass eine Choreografin die Inszenierung der Oper übernimmt, ist folgerichtig, denn Golijovs Musik verlangt geradezu nach einer choreographischen Um­setzung. Der Komponist verbindet Operngesang mit percussiven Elementen, wilde Flamenco-Passagen treffen auf lyrische Melodien des Solisten-Ensembles, lateinamerikanisches Temperament mischt sich mit präzise ausgearbeiteter Kunstmusik.

Mit "Ainadamar" kommt nun zum zweiten Mal ein abendfüllendes Werk Osvaldo Golijovs nach Deutschland. Seine Markus-Passion, ein Auftragswerk für Helmuth Rillings Bach­akademie, mit dem Golijov erstmals international für Aufsehen sorgte, wurde im September 2000 in Stuttgart uraufgeführt.

DARMSTADT. In den USA zählt er zu den bekanntesten zeitgenössischen Komponisten: der 1960 in Argentinien geborene Osvaldo Golijov. Obwohl er vor sieben Jahren in Stuttgart mit seiner „Markus-Passion" einen beachtlichen Erfolg erzielte, ist er hierzulande kaum weiter bekannt geworden. Seine Musik hat alles, was man bei vielen modernen Stücken vermisst: Sie ist rundum ansprechend und eingängig, aber nicht anspruchslos, sie ist gesanglich-melodiös, emotional und dramatisch, und hat damit alles, was auch ein Musiktheaterstück braucht. Andererseits hat Golijov keinerlei Berührungsängste mit lateinamerikanischer Folklore, mit dem spanischen Flamenco, der in seiner bisher einzigen Oper „Ainadamar", die 2003 in den USA uraufgeführt und zwei Jahre später überarbeitet wurde, eine tragende Rolle spielt.

Da die Musik sehr tänzerisch ist, liegt eine Umsetzung des Werks mit dem Tanztheater und dem Opernensemble des Staatstheaters Darmstadt nahe. Schließlich hat der Intendant John Dew seiner Tanztheaterchefin Mei Hong Lin dieses Stück zur Inszenierung empfohlen, die damit nach „Das Haus der Bernarda Alba" und „Vergiss mein nicht" sich zum dritten Mal mit dem spanischen Dichter Federico García Lorca beschäftigt. Denn in „Ainadamar" geht es um Lorca aus der Sicht der spanisch-katalanischen Schauspielerin Margarita Xirgu, für die der Autor viele Stücke geschrieben hat, darunter das erste Drama „Mariana Pineda", einer Revolutionsheldin aus dem 19. Jahrhundert.

„Ainadamar" ist das arabische Wort für „Brunnen der Tränen". In der Nähe dieses alten Brunnens bei Granada wurde Lorca im August 1936 von den Falangisten Francos erschossen. Margarita probt 1969 in Montevideo in Uruguay Lorcas Stück „Mariana Pineda", das mit den Worten beginnt „Ach, welch trauriger Tag in Granada". Mit dieser Ballade der Mädchen beginnt auch Golijovs „Ainadamar". Margarita erinnert sich dabei an ihren Theatermentor Lorca, der, wie sie meint, in diesem ersten Stück seinen eigenen Tod vorausgeahnt habe. Auch Margarita ist vom Tod gezeichnet. Sie fühlt sich schuldig am Tod des Dichters, weil sie ihn hätte überreden sollen, mit ihr nach Kuba auszuwandern. Margarita erlebt diesen Tod in Visionen und Bildern. Noch bevor sie stirbt kann sie das, was sie bei Lorca an Theaterkunst erlebt und erfahren hat an ihre Lieblingsschülerin Nuria weitergeben.

In Darmstadt mischt die Tanztheaterdirektorin Mei Hong Lin Oper und Tanz, indem sie die geradezu körperhaft wirkende Musik Golijovs in Bewegung aufdröselt und den Opernsängern stets Tänzer hinzugesellt und umgekehrt. Was liegt näher, als die Geschichte um Margarita und Lorca mit dem Flamenco zu charakterisieren, der in Andalusien seine Wurzeln hat, wo sich christliche, jüdische und arabische Kultur einst mischten? Am deutlichsten werden diese Einflüsse in dem mit dem Flamenco einhergehenden „Cante jondo", dem tiefinneren Gesang, der vor allem von arabischen Melismen gekennzeichnet ist. Und um diese Mischung, die noch um lateinamerikanische Einflüsse erweitert werden, geht es dem Komponisten Golijov, der als Sohn osteuropäischer Juden in Argentinien aufwuchs und heute in den Vereinigten Staaten lebt. Auch er strebt in seiner Musik eine faszinierende Stilmischung an, die ebenso Improvisationen zulässt. (hz)

Nicht ganz. Die Schauspielerin erzählt die Erinnerungen einer Schülerin. Und Lorca taucht quasi als Geist auf, als Vision.

Nein. Als ich diese Musik zum ersten Mal hörte, war ich regelrecht schockiert, weil man in zeitgenössischen Opern den Einfluss verschiedener kultureller Elemente oder Stile zwar gewohnt ist, aber sie nie so hemmungslos und mutig geboten bekommt wie hier. In "Ainadamar" gibt es Flamenco und südamerikanische Rhythmen, arabische und jüdische Anklänge, dann wieder ganz Klassisches - ich war richtig beeindruckt!

Das mag damit zu tun haben. Aber ebenso wohl auch mit dem kulturellen Hintergrund Osvaldo Golijovs: Der Komponist ist als Sohn jüdischer Eltern aus Osteuropa ausgewandert nach Argentinien, einem Zentrum des Multikulturellen.

Doch, das ist schon eine Oper, aber ich habe sie behandelt wie Tanztheater. In erster Linie bin ich natürlich Choreografin, aber ich habe schon mehrfach auch für das Musiktheater gearbeitet. Als mein Intendant John Dew, der gleich das Tanz-Potenzial der Werkes gespürt hat, mich fragte, ob ich diese Oper inszenieren möchte, sagte ich: als Oper nein, als Tanztheater ja. Weil ich darin einen regelrechten Schrei nach Bewegung, nach Bildern, nach Assoziationen sehe.

Da ich seit über 15 Jahren als Choreografin und Regisseurin auch mit Opernsängern arbeite, weiß ich, wie weit man hier gehen kann. Ich habe nie versucht, Sänger zu Tänzern zu dressieren. Aber ich versuche, zu nahtlosen Übergängen zu kommen.

Nein. Der Unterschied ist: Die Motivation ihrer Bewegung ist eine andere. Ich bin gewohnt, so zu arbeiten, dass man möglichst nicht merkt, wo das Schauspielen aufhört und die Choreografie beginnt.

Bei meinen Stücken gibt es fast immer Live-Musik, und ich habe einen viel zu großen Respekt vor Musik, als dass ich sie nur als Begleitung oder Hintergrundgeräusch begreifen würde. Mich mit dem Dirigenten auszutauschen und mit den Akteuren zu reden ist mir wichtig. Denn die Darsteller müssen ja wissen, warum sie etwas tun sollen. Zu sagen: Ich bin die Choreografin und ihr macht, was ich befehle - das geht nicht. So kann niemand glaubhaft etwas darstellen.